Этой зимой в Калуге прошел фестиваль «Танцсоюз». Инновационный культурный центр города провел его совместно с образовательной платформой для хореографов «Dancehelp.ru».
Фестиваль «Танцсоюз» стал, по сути, научно-творческой конференцией для профессионалов индустрии: шестнадцать отобранных работ хореографов послужили материалом для публичных обсуждений восьмью официальными и несколькими гостевыми экспертами при активном участии зрительской аудитории, которая тоже сплошь состояла из деятелей хореографического искусства. Благодаря осуществленным трансляциям спектаклей и обсуждений на образовательном ресурсе dancehelp.ru и культура.рф масштаб профессиональной дискуссии разросся почти до всероссийского. Очевидной стала назревшая потребность танцевального сообщества в таком интенсивном и углубленном обсуждении художественных, этических и дефиниционных вопросов хореографического искусства наших дней.
Сложившаяся в 1960-е традиция всесоюзных балетных конференций оказала в свое время прогрессивное воздействие на творчество профессионалов-практиков – хореографов новой волны, предопределила разворот отечественного балета в сторону хореосимфонизма и новый поиск выразительных средств. Сегодняшней хореографии столь же необходимы подобные «всенародные» встречи на профессиональном поле. Фестиваль поддержки молодых российских современных хореографов «Танцсоюз» принял на себя эту миссию.
Было отобрано шестнадцать заявок хореографов из девяносто восьми, причем представить нужно было работу крупной формы – спектакль. Любопытно, что по условиям конкурса отбиралась не конкретная постановка, а ее хореограф, который, в случае своей окончательной «победы», будет ставить спектакль на профессиональную труппу «Инновационный театр балета» (Калуга). Перед экспертами, таким образом, стояла задача рассмотреть потенциал хореографа как постановщика на большой сцене. А хореографам предоставлялась возможность поменять частично или полностью спектакль, уже прошедший отбор – это рискованный, но важный шаг организаторов фестиваля.
Шестнадцать спектаклей – конечно, не весь современный танец России, но довольно многогранный его срез по самым разным категориям: стилистически, технически, концептуально, и особенно по возрасту – хореографов (понятие «молодой» не относится к возрасту, а скорее к опыту в профессии), танцовщиков; по возрасту аудитории, на которую рассчитан спектакль. Эта пестрая палитра вызывала бурные обсуждения и расхождения во мнениях среди зрителей и экспертов, но в целом, каждый спектакль нашел свою аудиторию, что и требовалось доказать.
Кроме того, важным начинанием оказалась именно ситуация публичного профессионального обсуждения спектаклей. Культура обратной связи и аналитической экспертизы хореографического произведения для отечественной хореологии – явление формирующееся. И первые же обсуждения вскрыли ряд противоречий и необходимость выработки общей стратегии такого рода публичных дискуссий. Компетентность экспертов сомнений не вызывала – были приглашены специалисты высокого класса, каждый в своей области (Наталия Курюмова, Лариса Барыкина, Светлана Улановская, Вадим Никитин, Екатерина Васенина, Ольга Горобчук, Александр Гурвич, Александр Любашин. В качестве экспертов-гостей к обсуждениям присоединялись Ирина Черномурова и Маргарита Мойжес, итоги дня подводила Валерия Иосифовна Уральская). Но именно в этой разности сфер деятельности экспертов и заключалась сложность: отсутствие единого глоссария, различные представления о композиции танца, расхождения в трактовке понятий «музыкальность», «драматургия», «техника», «практика» и других. Тем не менее, за пять дней фестиваля произошла и определенная эволюция самих обсуждений. К финальному дню очевидной стала коллегиальная гармония в экспертном составе, хотя разность точек зрения никуда не делась.
«Танец еще никогда так не был близок к… зрителю», пришло мне в голову на показе спектакля Александра Могилева «Это всего лишь вещи». Трогательный, близкий каждому сюжет о роли вещей в нашей жизни, обличенный в зрелищную форму, дополненный вовлечением музыкантов в основное действо, с разбега взял негласный приз зрительских симпатий и развеял ореол обязательной концептуальной сложности вокруг современного танца. Исходя из «пролога» (закадрового голоса самого А. Могилева) и «экспозиции» спектакля можно было предположить некий парад личных историй, связанных с той или иной вещью. Такой парад рискует вылиться в дивертисментную форму, и отчасти он в неё и вылился. Однако, истории артистов были крепко сплетены между собой основной идеей (о том, что вещи для нас становятся символами событий, понятий, чувств, и зачастую мы их тащим за собой – как мёртвую лошадь). Интермедии музыкантов органично разбавляли виртуозные пластические высказывания танцовщиков, а финальный выход Александра Могилева закольцевал начатую им же историю про голубой свитер. В итоге спектакль сложился цельным, не разваливался на фрагменты, а внятность изложения идеи, думаю, привлекла на фестиваль аудиторию, раньше настороженно относившуюся к современному танцу.
«Феникс» хореографа Аси Белой пошел (полетел?) по пути поэтической метафоричности. Музыка Ж. -Б.Люлли отсылала к эпохе барокко, однако лирический герой, находившийся в явном конфликте с обыденной реальностью, намекал на свое романтическое происхождение. Кроме того, периодические появления самой Аси на сцене – то в качестве персонажа, то вдруг – в виде уязвимого в своей искренности человека (автора) – привносили нотки постмодернистической деконструкции. При том, что хореограф использовала любопытный кинематографический прием ретроспективы (словно размотав кинопленку к началу), нагромождение метафорических смыслов, эпох, стилей, аллюзий и методов в небольшом по продолжительности одноактном спектакле затруднило его восприятие.
«Stay solo» – витиеватый дуэт Ольги Васильевой и Елены Чуриловой интригующе долго «раскачивался». Грациозные танцовщицы (они же хореографы) погружали публику в гипноз своими растительно-животными телодвижениями – то сходясь в унисон, то снова уходя в личное высказывание. Но не показывали своих лиц. Это подогревало зрительское любопытство и нетерпение, и когда наконец девушки позволили свету прокрасться на их лица, некоторое время публика разглядывала их замысловатый грим (художник Варя Кожевникова). Ольга вопрошала зал «Кто я?» (зал честно отвечал: «Ольга Васильева»), Елена же плела кружево изысканного движения. Танцовщицы сняли футболки, оставшись в брюках и ярких топах (флуоресцентного оранжевого и розового цветов). Такой наряд как будто призван подчеркнуть их женственность, но они её игнорировали, продолжая свой «породистый» бесполый танец. В меру абстрактная, но и насыщенная конкретными деталями работа позволяла зрительской фантазии разгуляться в поисках метафор и аллюзий. Но если у кого-то не было желания разгадывать творческие ребусы, можно было позволить себе в эти сорок минут утонуть в пространстве стихийного движения и преследовать взглядом роскошных танцующих пантер.
Семейный дуэт Александр Исаков – Виктория Янчевская в первый день фестиваля представил «Колыбельную для Маяковского». Несмотря на показ, начавшийся в девять часов вечера насыщенного событиями фестивального дня, «Колыбельная» не то, что не усыпила, напротив, заставила встрепенуться и подключиться к происходящему. Камерная работа эта использовала очень мало «ресурсов»: минимальные перемещения по сцене двух танцовщиков (кажется им хватило бы и нескольких метров), скупой отбор движений, лирический монотонный музыкальный распев, практически отсутствующие костюмы (из броских деталей – только красные носки и плавки) и бархатный пастельный свет (художник по свету Олег Страшкин). Но впечатление осталось как от роскоши и богатства: плотная танцевальная партитура акцентирует внимание на человеческом теле, сгущает контраст женской хрупкости и уязвимости и мужской силы и могущества. Рутинность этих клишированных взаимоотношений подчеркивается многократным повторением одной и той же хореографической фразы, тем неожиданнее финал: хрупкая женщина поднимает на плечи могучего Маяковского, и, убаюкивая, уходит с ним. Богатство смыслов, разнообразие оттенков, полнота погружения в этот очень интимный дуэт, «новая виртуозность» (А. Любашин), почти нетеатральная отстраненность от своих персонажей – предлагают новый ракурс обзора современного танца.
«Танцсоюз» в этом году оказался богат на дуэты (впрочем, как и отечественная современная хореография в целом). Программу второго дня открывал дуэт Александры Столяровой и Любови Савчук – представительниц (на момент фестиваля) Екатеринбургской труппы «Провинциальные танцы», мастодонта российского современного танца. Девушки сполна оправдали возложенные на них ожидания по части виртуозности и владения своим телом и пошли дальше по пути развития концепции. Спектакль «Reservoir» открывала песня «Куда исчезли все цветы?» Пита Сигера в исполнении Марлен Дитрих. Шлягер этот в свое время (в 1960-е) стал пацифистским гимном в период выступлений против войны во Вьетнаме. Сегодня это уже история. И то, как близко к сердцу молодые девушки воспринимают трагедию полувековой давности, и то, как они говорят о значимости гуманистических идей языком танца – характеризует их как художниц, рефлексирующих и использующих свои выразительные средства для беседы со зрителем о важном. Динамичный танец их строился на контрасте агрессивных, даже яростных движений, с периодами меланхолического раздумья. Партнеринг Александры и Любови изобиловал акробатическими сложностями, но не ради циркового эффекта. Такой способ движения мало того, что попросту органичен для виртуозных танцовщиц, рождает еще и ряд ассоциаций с преодолением, манипулированием, высвобождением. Появившиеся к концу спектакля огромные цепи, которыми танцовщицы перегородили сцену, усилили впечатление противостояния человека чему-то роковому, удушающему. Сломлен ли будет человек под этим гнетом или таки «взойдет она, звезда пленительного счастья»? Спектакль оставляет это на наше зрительское усмотрение…
Экзотическое направление «постфолк» также было представлено на фестивале. Анастасия Миронова (преподаватель Факультета современного танца Гуманитарного университета Екатеринбурга) в своей работе «Запах полыни» осмыслению подвергла семейные ценности, а точнее, ценность семьи как института: образный, символический язык её опирался на эстетику кавказского танца (по очень отдаленной генеалогии) в сочетании с техниками танца модерн. Казалось бы, такие далекие пластические проявления народной культуры Анастасии удалось сочетать вполне гармонично, и это позволяет говорить о феномене «постфолк», а не просто о стилизации народного танца. Движенческие паттерны и/или ритмические структуры конкретной фольклорной культуры преломляются здесь через призму выбранного хореографом языка танца (будь то сформировавшаяся техника или некая авторская пластика). Пройдя такую обработку аутентичный фольклорный танец словно переплавляется в нечто едва напоминающее о его происхождении. Разработкой этого направления активно занимаются на Факультете современного танца, в частности, это сфера научного интереса заведующей кафедрой хореографического искусства и художественной культуры Анны Сергеевны Поляковой. На «Танцсоюзе» спектакль Мироновой поведал внятную историю близких друг другу людей (квинтет из трех танцовщиц и двух танцовщиков), чьи отношения прошли разные фазы и через бунт и неприятие вернулись к гармонии и единству. Так через современный танец Анастасия повествует о вневременном, традиционном.
На фото – спектакль “Это всего лишь вещи”. ©Татьяна Матвеева. Фото предоставлено пресс-службой фестиваля
Алтайский дуэт Анны Хакиайнен и Оксаны Воробьевой на фестиваль привез спектакль «Ты чё, мать?!». Признаюсь, я насторожилась, когда на сцену вышли две артистки с домрами в руках (Елена Степанова Елена, Ольга Терехова): современный танец плохо совмещается с «туристическими» символами русской культуры. И оттого вдвойне радостно стало, когда танцовщицы повели спектакль в совершенно другое русло. Русская старина у них – ресурс для вдохновения, а не реанимация мёртвой культуры: шапка ушанка, материнский ремень, тяжкие мамины вздохи и невнятные тревожные причитания. Здесь и «крест материнский» ощущался и «горюшко луковое». Вроде бы и вненациональное, а вроде и такое до боли родное! Органичный синтез аутентичных музыкальных инструментов (домра – уж куда аутентичнее) и современного во всех смыслах танца. Изумительно стильные костюмы, ни намёка на провинциальность. Глубокое художественное впечатление оставил эпичный финал работы: все четыре исполнительницы выстроились в многоуровневый «семейный портрет» и за их спиной в заднем контровом свете к зрителю медленно приближались мистические силуэты людей, словно из глубины веков шагали к нам поколения предков.
Калужский хореограф Иван Сачков представил «Туман» – свою дебютную работу в крупной форме. Дебютом «Туман» в 2021 году стал и для студентов первого курса программы бакалавриата «Искусство современного танца» Санкт-Петербургской Консерватории, с которыми Иван работал. Тема спектакля была, таким образом, предопределена самой ситуацией – переход вчерашних школьников в новое социальное состояние: студенчество. И связана со всем знакомым советским мультиком «Ëжик в тумане». Во многом первокурсники экспериментальной программы, как герой мульфильма, вступают в туман, в неизвестность, навстречу собственным страхам – в поисках чего? Современного танца? Взросления? Себя? «Туман» смонтирован из нескольких контрастных по динамике сцен. Здесь есть место традиционной экспозиции, медленно погружающей зрителя в медитативное пространство танца; трепетные сцены взаимодействия в группе – поддержки, элементы партнеринга – оттеняют выделяющиеся сольные фрагменты, противопоставляют протагониста массе. Перформативная интермедия с несколькими «слепыми» танцовщицами замедляет действо и вносит интригу, перекликающиеся дуэты, едва наметившиеся и тут же растворяющиеся взаимоотношения, всплески групповой агрессии и общее умиротворение. Вряд ли можно говорить о внятном повествовании здесь, но общий мотив читается: мотив опасливого погружения в неизвестное, трансформации и поиска нового себя.
Самые разнообразные «голоса» хореографов были услышаны на фестивале «Танцсоюз». Важно ли это? Жизненно необходимо для всей отрасли отечественного танцевального искусства! Эта отрасль всегда двигалась и двигается за счет усилий энтузиастов. В данном случае энтузиастами стали Елена Панасенко, художественный руководитель образовательного ресурса для хореографов «Dancehelp.ru», и Ксения Голыжбина, руководитель «Инновационного театра балета» из Калуги. Огромная благодарность от лица сообщества современного танца Елене и Ксении.
Реклама Премьера в РАМТе — Душа моя Павел — 5, 22 марта и 22 апреля
Источник: oteatre.info
